Pierre Goudiaby Atepa (Sénégal)
Pierre Goudiaby Atepa (né en 1947) est un architecte sénégalais de la communauté Diola et fondateur du Groupe Atepa. Parallèlement à la montée de l’influence coloniale française sur l’infrastructure et le développement des pays d’Afrique de l’Ouest dans les années 1960, Atepa a établi un langage architectural de libération qui a revendiqué l’identité africaine en hybridant ces centres de pouvoir symboliques avec le savoir ancestral africain. Cela a été le plus évident dans ses conceptions pour la Banque Centrale des États de l’Afrique de l’Ouest (BCEAO) et La Porte du Troisième Millénaire au Sénégal.
La BCEAO (1975), conçue en collaboration avec Cheikh N’gom, crée un symbole de l’Afrique de l’Ouest post-indépendance à travers sa représentation comme l’arbre baobab — un symbole de prospérité. Surnommé « le siège du Baobab », l’articulation de la façade donne l’impression que la structure puise dans ses racines sénégalaises en émergeant d’une place paysagée dotée d’une fontaine en forme de Continent. Faisant face à l’Île de Gorée — site de la Maison des Esclaves, l’un des plus grands centres de la traite des êtres humains asservis — la grande BCEAO se dresse de manière provocante le long de la côte atlantique de Dakar.
Atepa a conçu la Porte du Troisième Millénaire pour symboliser l’adoption par l’Afrique du nouveau millénaire. Inauguré en 2001, le monument fait face à l’Atlantique, dans l’axe de l’Avenue Malick Sy, le long d’une esplanade bordée de trois baobabs et d’un palmier dattier — chacun représentant une figure politique et séculière — et d’un jet d’eau, symbole de la vie. Des briques de terre texturées composent trois portes qui augmentent en taille. La première porte représente le premier millénaire, symbolisant le savoir ancestral. Le deuxième seuil est incurvé, évoquant l’industrialisation et présente une statue de femme — nommée « Yaya Boye » ou « Maman Chérie » en Wolof — jouant de la flûte, une invitation à l’union du corps et de l’esprit. La plus grande porte présente des bords évasés pour représenter le progrès et symbolise l’ambition d’inclusivité du village mondial.
Francis Kéré (Burkina Faso)
Francis Kéré (né en 1965) est un architecte burkinabè de l’ethnie Kasséna qui a grandi dans le village de Gando, sans électricité ni eau courante. Formé à la Technische Universität de Berlin, il a fondé Kéré Architecture en 2005 et hybride les techniques vernaculaires en terre crue avec des stratégies passives de rafraîchissement pour créer une architecture communautaire, participative et climato-résponsive.
L’École Primaire de Gando (2001), son premier projet, a été construite par les villageois eux-mêmes avec des blocs de terre compressée stabilisée (BTC) et un toit en tôle surélevé pour la ventilation. Le succès a lancé une série d’extensions : le Logement des Enseignants (2004), la Bibliothèque (2014) et le Lycée (2021), tous intégrant des écrans en eucalyptus local et des doubles toitures pour réduire la chaleur.
Le Serpentine Pavilion de Londres (2017) a exporté ce langage : une structure circulaire en bois teinté indigo évoquant les baobabs, avec une cour ouverte laissant passer la pluie — un clin d’œil aux rassemblements sous l’arbre à palabres.
Le Centre de Chirurgie et de Santé de Léo (2014) et l’Assemblée Nationale du Bénin (2019-2024) utilisent des façades en BTC perforées pour la lumière et l’air, tandis que le Parc National du Mali à Bamako (en cours) intègre des buttes plantées et des bassins de rétention d’eau de pluie. Kéré, premier Africain lauréat du Pritzker en 2022, continue d’enseigner à Harvard et à Munich.
David Adjaye (Ghana / Royaume-Uni)
David Adjaye (né en 1976 à Dar es Salaam de parents ghanéens) a grandi entre Londres, Accra et Le Caire. Diplômé de la Royal College of Art, il fonde Adjaye Associates en 2000 et hybride le modernisme géométrique avec des motifs ouest-africains (kente, adinkra) et des matériaux locaux pour créer des espaces de mémoire collective.
Le National Museum of African American History and Culture à Washington (2016) est couronné d’une corona en bronze inspirée des couronnes yoruba ; ses façades filtrent la lumière et évoquent les mains levées des esclaves en prière.
Le Moscow School of Management Skolkovo (2010) utilise des disques colorés superposés rappelant les tissus wax, tandis que le Mass Extinction Memorial Observatory à l’Île de Portland (projet) grave les espèces disparues sur des dalles de pierre locale.
Au Ghana, le quartier des pêcheurs de Jamestown à Accra (depuis 2012) réhabilite des filets de pêche en écrans solaires. Adjaye a été anobli en 2017 et dirige le design du Edo Museum of West African Art à Benin City (prévu 2025).
Mariam Issoufou (Niger / Canada)
Mariam Issoufou (née en 1979 à Niamey) a étudié à l’Université de Washington et à McGill avant de fonder Atelier Masōmī en 2014 à Niamey. Elle hybride les typologies haoussa (cours intérieures, murs épais en banco) avec des systèmes de ventilation passive et des matériaux recyclés pour une architecture féministe, climatique et participative.
La Hikma Religious and Secular Complex à Dandaji (2018, avec Studio Chahar) réhabilite une mosquée en ruine en bibliothèque : les murs en terre sont renforcés par des bouteilles plastiques compressées, la ventilation est assurée par des cheminées solaires.
Le Niamey 2000 Housing (2016) propose des unités modulaires en BTC avec toits végétalisés et citernes de récupération d’eau, permettant aux familles d’agrandir selon leurs moyens.
Le Centre Culturel Américain de Niamey (2022) utilise des écrans en terre cuite inspirés des motifs haoussa pour filtrer la lumière et créer des ombres dansantes. Issoufou enseigne à Brown University et milite pour la formation d’architectes femmes au Sahel.
Guillaume Koffi et Issa Diabaté (Côte d’Ivoire)
Guillaume Koffi (né en 1969) et Issa Diabaté (né en 1971), tous deux formés à Yale, ont cofondé Koffi & Diabaté Architectes à Abidjan en 2001. Ils hybrident le modernisme tropical brésilien avec les cours baoulé et les claustras en terre cuite pour créer une architecture ivoirienne contemporaine, ouverte et ventilée.
Le siège de la Banque Atlantique à Abidjan (2013) est une tour en double peau de béton et de claustras en terre cuite, réduisant les gains solaires de 40 %.
Le Lycée International Jean-Mermoz à Abidjan (2006) organise les salles autour de cours plantées, avec des brise-soleil en bois d’iroko local.
Le complexe résidentiel La Cité Rouge à Yopougon (2010) propose des logements évolutifs en BTC avec toits en pente pour la collecte d’eau. Le duo a remporté le Aga Khan Award en 2016 pour l’École Primaire de Goudomp au Sénégal (2012), un prototype replicable en terre et bambou.
Aziza Chaouni (Maroc / Canada)
Aziza Chaouni (née en 1977 à Fès) a étudié à Columbia et Harvard avant de fonder Aziza Chaouni Projects à Marrakech et Toronto en 2008. Elle hybride les techniques médiévales marocaines (zellige, tadelakt) avec l’ingénierie écologique pour restaurer le patrimoine hydraulique et créer une architecture résiliente au changement climatique.
La restauration de la Sidi Ghanem Leather Tannery à Marrakech (2016) a transformé un site pollué en parc public avec un système de phytoremédiation par roseaux et un bassin de décantation en tadelakt.
Le Sahara Eco-Resort à Merzouga (projet) utilise des murs en pisé épais et des tours à vent pour rafraîchir sans climatisation.
Le Hybrid Urban Sutures à Fès (2014) reconnecte la médina au fleuve par des passerelles en bois et des jardins filtrants. Chaouni enseigne à MIT et a reçu le Holcim Award pour la restauration des jardins de l’Agdal à Marrakech (2020).
Fernand Tala-N’gai (République Démocratique du Congo)
Fernand Tala-N’gai (né en 1938) a contribué à définir l’ère post-coloniale de la République Démocratique du Congo. Il s’est formé en Belgique, puis est retourné dans la capitale du Congo, Kinshasa, et a fondé son cabinet Architecture—Espace. Tout au long de sa carrière, il a travaillé sur des bâtiments publics importants qui ont servi de médiateurs entre la revitalisation des récits des cultures indigènes du Congo et les normes mondiales du modernisme.
Une grande partie de la carrière de Tala-N’gai s’est déroulée après l’indépendance de la Belgique, alors que le Congo était sous la dictature de Mobutu Sese Seko, qui a pris le pouvoir lors d’un coup d’État militaire en 1965. Bien qu’opposé à ce régime antidémocratique, le travail de Tala-N’gai répond à la doctrine décoloniale de Mobutu appelée « recours à l’authenticité » visant à effacer toute trace de la domination belge, l’architecte espérant favoriser l’unité et l’identité nationales.
Il a collaboré avec l’architecte italien Eugene Palumbo sur le Tribunal de Première Instance (1971) à Kinshasa. Le palais de justice présente des influences modernistes tropicales d’autres pays subalternes et une mosaïque murale d’artistes congolais qui dépeint des thèmes de justice. Les artistes se sont inspirés de l’art pré-colonial, les visages des figures rappelant ceux des masques Kuba, Tshokwe, Songye ou Pende.
L’un de ses projets les plus remarquables est le Palais de Marbre (1973) à Kinshasa. L’empreinte de la villa évoque la forme de la nation, avec une série de plans en marbre émanant d’une cour centrale — une forme sociale traditionnelle qui avait été éradiquée par les colons belges.
Tala-N’gai a conçu la Foire Internationale de Kinshasa (1969) à l’occasion de l’anniversaire de l’indépendance, qui a accueilli des exposants de 20 pays et plus d’un demi-million de visiteurs. Servant de microcosme de Kinshasa, elle a promu les nouveaux développements urbains du Congo en matière d’infrastructures et son abondance de ressources naturelles.
En 1992, Tala-N’Gai a été condamné à mort pour son opposition à la dictature de Mobutu, mais a été sauvé par Amnesty International. Il est décédé plus tard en 2006.
Vernon Mwamuka (Zimbabwe)
Vernon Mwamuka (1955-2001) est reconnu comme le premier architecte noir du Zimbabwe et un défenseur du fait que le développement post-indépendance de la nation devrait être conçu par des Africains. Le portefeuille de Mwamuka comprenait des projets publics et privés qui ont revitalisé leur environnement et établi des ressources institutionnelles au service du peuple zimbabwéen.
Après ses premières études au Zimbabwe, Mwamuka a obtenu une bourse pour l’École d’Architecture de l’Université de Glasgow en Écosse (1978) et a terminé ses études de troisième cycle à Londres. En 1981, Mwamuka est rentré chez lui pour travailler au Ministère de la Construction et dans un cabinet d’architecture local avant d’établir sa propre pratique dans les années 1990 : Mwamuka Mercuri and Associate Architects.
Le cabinet de Mwamuka a travaillé sur divers bâtiments publics — tels que des bureaux de poste à travers le Zimbabwe et l’Aéroport Domestique de Harare — et des projets privés qui ont revitalisé leur tissu urbain environnant — tels que l’Intermarket Life Centre, la Construction House, la Kopje Plaza et le Old Mutual Centre au Zimbabwe.
Différant des bâtiments typiques de Mwamuka, la conception et le plan directeur de deux campus éducatifs — l’Africa University à Mutare (AU) et la National University of Science and Technology à Bulawayo (NUST) — ont hybridé le savoir ancestral avec des matériaux et des méthodes modernistes. Intégré dans son paysage forestier, l’AU a été planifié comme un campus de plain-pied avec des installations d’enseignement dans des cours rectangulaires et un pavillon central pour l’administration et le rassemblement — typique des établissements ancestraux d’Afrique du Sud. La NUST, quant à elle, était un complexe à plusieurs étages qui utilisait des systèmes d’ombrage passif et de ventilation par tirage thermique. Les lignes directrices du plan directeur permettaient à chaque programme d’avoir un aspect distinct tout en adhérant aux principes de conception dérivés des systèmes ancestraux qui sont intrinsèquement appropriés au climat de la région.
Avant son décès en 2001, Mwamuka a défendu la nécessité de rendre les carrières en architecture plus accessibles aux Zimbabwéens locaux, aboutissant à la création d’une école d’architecture à la NUST.
Elie Azagury (Maroc)
Elie Azagury (né en 1918) a quitté son lieu de naissance, Casablanca, en 1937 pour étudier l’architecture à l’École des Beaux-Arts de Paris et est retourné au Maroc en 1949. Au cours de sa carrière, Azagury a voyagé en France, en Suède, au Brésil, en Amérique et en Chine. Inspiré par les formes architecturales et les histoires de chaque lieu, il a fusionné ces influences mondiales avec des matériaux, des formes et de l’artisanat marocains locaux pour innover un style « honnête dans son expression et fier de son héritage, sans compromis dans sa quête de beauté, tout en souhaitant aborder les préoccupations mondiales et universelles de son temps. »
Dévoué au rôle social de l’architecture, Azagury a conçu des logements abordables dans le quartier de Hay Hassani à Casablanca (1961) pour défaire la ségrégation urbaine imposée par les urbanistes coloniaux. Il a hybridé des typologies résidentielles nord-africaines, telles que les toits plats, les terrasses et les jardins de riad ombragés, pour éclairer l’avenir du logement urbain dense. Les bâtiments étaient également conçus de manière modulaire, donnant aux habitants la possibilité d’ajouter des étages si nécessaire.
En 1960, lorsqu’un tremblement de terre dévastateur a rasé la ville côtière d’Agadir, Azagury est arrivé huit jours après pour comprendre l’étendue de la reconstruction. Travaillant avec le Groupe des Architectes Modernes Marocains (GAMMA) pour construire de nouveaux logements, écoles et bâtiments publics, Azagury a reconnu que c’était un moment particulier pour expérimenter à l’échelle urbaine avec du béton et du bois locaux — matériaux qui reflètent et ont inspiré la force de la communauté.
En 1968, il a conçu le village de vacances côtier de Cabo Negro, composé d’hôtels, de centres touristiques et d’installations sportives et de natation. Le plan se déploie de manière similaire aux médinas traditionnelles du Maghreb, chaque unité ayant plusieurs terrasses et des passages sinueux qui serpentent à travers le complexe.
Azagury a conçu plus de 100 autres projets à travers le Maroc jusqu’à son décès en 2009.
Michael Tedros (Éthiopie)
Michael Tedros (1921-2012) était un architecte britannico-éthiopien qui a aidé l’Éthiopie — la seule nation africaine non colonisée — à devenir un symbole de force et d’innovation africaines grâce à l’hybridation des méthodes de construction modernes avec des matériaux locaux et un patrimoine culturel.
Il a commencé ses études et son travail d’architecture en Angleterre avant d’être choisi personnellement en 1952 par le Ministère de l’Éducation de l’Éthiopie pour « rentrer immédiatement » et remplacer l’architecte en chef partant de la capitale, Addis-Abeba. Dans ce rôle, Tedros a conçu et construit des écoles à travers le pays.
Après trois ans de ce travail, il a ensuite obtenu une bourse à l’Université de Pennsylvanie, où il s’est formé sous la direction de Louis Kahn.
En 1957, Tedros est retourné en Éthiopie et s’est associé à l’architecte israélien Zalman Enav, créant le premier cabinet du pays avec une direction éthiopienne.
Son Ministère des Affaires Étrangères (1964), situé à Addis-Abeba, est conçu pour ressembler à un bloc monolithique mais s’ouvre sur une cour en forme de diamant, permettant à la ventilation et à la lumière de pénétrer dans les bureaux du gouvernement. Le cahier des charges initial prévoyait un gratte-ciel moderne « comme le Bâtiment de l’ONU à New York », mais Tedros a plaidé pour un design distinctement éthiopien, utilisant des géométries réticulées pour la façade audacieuse et alignant la hauteur du bâtiment sur l’architecture éthiopienne traditionnelle de faible hauteur.
Les Bains Thermaux de Filwoha (1964) à Addis-Abeba se trouvent sur les sources chaudes naturelles qui ont inspiré la fondation de la capitale dans cette région à la fin du XIXe siècle. L’organisation du bâtiment est cellulaire, s’inspirant des tukuls — des complexes d’habitation éthiopiens de petites huttes en dôme disposées autour d’espaces centraux. Tedros a travaillé avec la terre locale pour le béton et la brique et a permis la lumière naturelle et la ventilation via des puits de lumière ouverts.
Pendant une grande partie de sa carrière, Tedros fut l’un des rares architectes éthiopiens formés. Il a cherché à changer cela en co-fondant l’école d’architecture de l’Université Haile Selassie I, afin de créer une nouvelle génération d’experts formés localement. Il est décédé à l’âge de 91 ans en 2012.
Oluwole Olumuyiwa (Nigeria)
Oluwole Olumuyiwa (né en 1929) est un architecte nigérian qui a étudié l’architecture et l’urbanisme à l’Université de Manchester. Il a voyagé en Grande-Bretagne, en Hollande et en Suisse avant de retourner à Lagos pour établir le premier cabinet d’architecture nigérian, Oluwole Olumuyiwa and Associates, en 1960 — la même année que la nation a déclaré son indépendance. Son travail fusionne les principes modernistes et fonctionnalistes avec les traditions architecturales d’Afrique de l’Ouest qui intègrent l’espace extérieur aux bâtiments et priorisent l’espace pour que les communautés se rassemblent et socialisent.
Olumuyiwa était profondément engagé dans l’avancement de l’éducation et du patrimoine architectural au Nigeria. Il fut le premier président du Conseil d’Enregistrement des Architectes du Nigeria, co-fonda l’Institut Nigérian d’Architecture et co-publia le premier magazine d’architecture du Nigeria, The West African Builder and Architect. Le journal se concentrait sur la promotion de la collaboration et la combinaison des normes architecturales européennes avec le savoir et les systèmes sociaux nigérians.
La Crusaders’ House (1958) fait partie de ses œuvres notables. Le programme du bâtiment comprend des commerces au rez-de-chaussée et plusieurs étages de bureaux au-dessus. Plutôt que des fenêtres fixes du sol au plafond courantes dans son éducation européenne, Olumuyiwa les a conçues pour pivoter — une adaptation en réponse au climat tropical et au besoin de circulation de l’air.
Le plan proposé par Olumuyiwa pour le Lagos Cultural Center (années 1960) était un complexe à usage mixte avec des espaces pour l’éducation, des bureaux, des ateliers techniques et des programmes communautaires d’arts et d’athlétisme, tous englobant une cour centrale. Cette disposition rappelle les systèmes organisationnels Yoruba, où les familles vivaient dans des complexes disposés autour de cours en plein air utilisées comme points clés pour la socialisation ainsi que la cuisine et l’artisanat communautaires. Un espace extérieur supplémentaire pour les expositions, le théâtre et les jardins de sculptures soutient la communauté artistique locale.
Après une vie et une carrière passées au service de l’architecture nigériane, Olumuyiwa est décédé en 2000.
Abdel Moneim Mustafa (Soudan)
Abdel Moneim Mustafa, « le parrain de l’architecture moderne au Soudan », est né en 1930 et a poursuivi une éducation internationale — au Royaume-Uni, en Australie et aux Pays-Bas — avant de retourner dans la capitale, Khartoum. En 1963, il a établi Abdel Moneim Mustafa & Partners (maintenant, Technocon Engineering Group) et a conçu plus de 40 résidences de villas commandées par les dirigeants post-indépendance du Soudan et de nombreux bâtiments publics qui ont façonné de manière unique l’identité architecturale de Khartoum.
Située au confluent du Nil Bleu et du Nil Blanc, le style architectural et l’urbanisme de Khartoum ont été influencés par des forces politiques, de l’occupation par le Soudan égyptien ottoman au XIXe siècle à la colonisation britannique en 1885. Après l’indépendance en 1956, Mustafa a hybridé et subverti l’esthétique coloniale imposée avec l’ingéniosité pré-coloniale qui a établi les principes du modernisme tropical « chaud et sec ».
Parmi les œuvres notables de Mustafa figure le Bâtiment El Ikhwa (1970), un bâtiment commercial et résidentiel saisissant qui se déploie comme une série de formes cubiques modulaires, exprimées le long d’un axe central. La géométrie rappelle les motifs fractals trouvés dans les établissements de l’Empire africain. Exemplifiant les solutions de Mustafa pour la médiation du climat soudanais chaud et sec, les généreux balcons sont décalés et fournissent l’ombre nécessaire pendant la journée ainsi qu’un espace en plein air pour dormir le soir, comme cela est courant pour les communautés du désert.
La Banque Arabe pour le Développement Économique (1980) de Mustafa présente un revêtement de façade suspendu qui agit comme un bouclier contre le soleil et la poussière tout en permettant à la lumière et à l’air de circuler par des ouvertures latérales. Il a souvent hybridé la construction locale et les matériaux qui sont courants dans les terrains désertiques avec la technologie moderniste.
Les œuvres de Mustafa sont reconnaissables dans tout Khartoum. En tant que l’un des premiers architectes soudanais, il a innové un style sensible au climat enraciné dans les systèmes de savoir locaux.
Cheikh Ngom (Sénégal)
Cheikh Ngom fut le premier architecte sénégalais à établir un cabinet dans la nation après l’indépendance. Il a réalisé de nombreux projets à travers Dakar et a contribué à définir le langage architectural post-indépendance de la ville. Le style s’est caractérisé par de puissantes affirmations de l’identité africaine, des formes rythmiques et une rupture définitive avec la stricte symétrie de l’architecture coloniale.
L’un des plus grands projets de N’gom est la planification de l’établissement de la Grande Médina (1982) à Dakar qui comprenait 1 000 unités de logement dans une matrice de cours publiques et privées, de grandes artères et d’espaces communautaires comprenant des écoles et des mosquées. Allant d’unités d’une à trois chambres pour différentes structures familiales, N’gom a fourni un cadre pour la construction de l’identité alors que les habitants hybridaient les façades, ajoutant un nouveau dynamisme au rythme visuel du quartier.
En 1984, il a achevé l’Immeuble Faycal. La conception de la tour présente des bossages sculpturaux en béton audacieux et texturés sur toute la façade qui varient en taille et en orientation, une solidité et une géométrie communes à l’architecture en terre sahélienne.
Ce sens du rythme et de la texture réapparaît dans d’autres œuvres de N’gom, telles que la Faculté de Droit et de Sciences Politiques (année inconnue) sur le campus de l’Université Cheikh Anta Diop. De grandes géométries en béton font saillie et ponctuent la façade, adaptant le rythme des contreforts effilés des mosquées soudano-sahéliennes. Des pierres et des coquillages de la région ont été broyés et compressés pour créer une surface rugueuse, ancrant le bâtiment dans la terre. De l’extérieur, le bâtiment dégage un sentiment de solidité, mais se déploie en réalité sur un espace ouvert et ombragé de type médersa pour que les étudiants se rassemblent loin du climat semi-aride.
Lors d’une cérémonie en 2021, N’gom a été élu au prestigieux Ordre National du Lion, la plus haute distinction pour le service civil au Sénégal, pour ses « contributions distinguées à la nation et son dévouement à affirmer l’ingéniosité sénégalaise sur la scène internationale ».
Anthony B. Almeida (Tanzanie)
Anthony B. Almeida est né en 1921 en Tanzanie de parents originaires de Goa en Inde. Il a poursuivi sa formation en architecture à Mumbai à la prestigieuse Sir J.J. School of Architecture, où son éducation et sa proximité avec Chandigarh par Le Corbusier ont développé sa prédilection pour le Modernisme.
En 1948, alors qu’il travaillait à Bombay, il fut élu Associé RIBA. Il est ensuite retourné à Dar es Salaam et a établi son propre cabinet en 1950, concevant plusieurs projets pour la ville et sa communauté Goanaise. À travers ces commandes, il a hybridé son héritage avec les systèmes de savoir africains locaux.
Parmi ces œuvres se trouvait l’école primaire St. Xavier’s (images 2, 3). Exemplifiant sa réactivité au contexte local et au climat du pays, la proposition d’Almeida comportait des salles de classe surélevées par des colonnes structurelles pour offrir un soulagement des conditions tropicales. Sa palette de couleurs sourdes rappelait les maisons Maasai plâtrées du nord de la Tanzanie et du sud du Kenya, tout comme la base en pierre empilée. Des motifs Goanais sont répercutés dans les fenêtres à motifs qui filtrent la lumière du soleil et permettent la circulation de l’air. Ensemble, le bâtiment est un hommage à la fois à l’héritage Goanais de la communauté et aux traditions d’Afrique de l’Est, la terre vers laquelle ils ont émigré.
Jusqu’à son décès en 2019, Almeida a continué à hybrider les systèmes de savoir d’Afrique de l’Est et de Goa avec les principes modernistes, notamment le Goa Club (1959) (images 4, 5), un club social pour la communauté Goanaise tanzanienne, et la Joint Christian Chapel (1975) (images 6, 7), tous deux situés à Dar es Salaam.
David Mutiso (Kenya)
Né en 1932, David Mutiso est le premier architecte africain enregistré en 1967 au Kenya et un membre fondateur des Associations d’Architecture au Kenya. En 1963, Mutiso a été nommé Architecte en Chef au Ministère des Travaux Publics et a supervisé la conception d’icônes importantes pour le Kenya post-indépendance, notamment le Kenyatta International Convention Centre (KICC) et le lotissement résidentiel de Buruburu, tous deux à Nairobi.
Le KICC a été commandé par la Kenya African National Union (KANU) en 1968 au Ministère des Travaux Publics. En tant qu’Architecte en Chef, Mutiso a fait appel à son employé Karl Henrik Nøstvik, qui a déménagé de Norvège dans les années 1960 alors que les pays africains gagnaient leur indépendance.
Le KICC a combiné le langage architectural en terre traditionnel kenyan avec le brutalisme — un style adopté par les États post-indépendants pour incorporer la technologie du XXe siècle. Le siège est composé de trois structures — le socle, la tour et l’amphithéâtre. Emblématique de l’indépendance naissante du Kenya, la forme reflète une fleur de lotus fermée — l’amphithéâtre — et une fleur ouverte — la tour. Le design en terre kenyan est intégré au bâtiment par des formes rondes, un matériau de façade en terre cuite marron et de petits motifs définissant l’emplacement des fenêtres. Le verre et les colonnes expressives en béton délimitent les trois structures. L’intérieur de l’amphithéâtre symbolise le baraza africain — un lieu de réunion public d’Afrique de l’Est — avec des déflecteurs de plafond en bois qui filtrent la lumière du soleil.
En 1982, Mutiso a achevé les cinq premières phases des lotissements résidentiels de Buruburu. Le programme a été conçu par la Commission Régionale de 1962 pour passer des modèles de location/achat-location de logements à un modèle hypothécaire pour une classe moyenne émergente. Le plan directeur était dépourvu de toute planification géométrique rigide et comportait des parcelles délimitées individuellement regroupées autour de cours avec des espaces publics paysagers. Des équipements sociaux à l’échelle humaine entourent la cour, tandis que des équipements commerciaux à l’échelle automobile sont situés sur les bords extérieurs.
Hassan Fathy (Égypte)
Hassan Fathy est né en 1900 à Alexandrie, sur la côte méditerranéenne de l’Égypte, en Afrique du Nord-Est, avant que la famille ne déménage vers le sud intérieur, au Caire. Les trajets en train entre les deux villes auraient traversé la campagne égyptienne : ces scènes de pauvreté rurale à travers le climat chaud et désertique ont inspiré l’engagement ultérieur de Fathy en faveur du logement abordable et des techniques locales. Au cours de sa carrière, il a accumulé 170 projets et redéfini la modernité pour une identité distinctement africaine-égyptienne.
En tant qu’étudiant puis enseignant au Caire d’après-guerre, il a rencontré de nombreux artistes modernes qui ravivaient le caractère égyptien. C’est devenu une vocation pour lui, dont les projets architecturaux soulignent des connexions socio-communautaires plus profondes — éclairées par des observations des maisons des fellaheen (agriculteurs) et des recherches sur les cultures, les climats et les traditions locales. Fathy a commencé à construire avec de la brique de terre, car le bois d’œuvre et le fer importés étaient rares et au-delà des moyens des fellaheen. Cependant, Fathy n’avait pas encore résolu le problème de la toiture en adobe sans supports en bois. En 1941 à Assouan, la ville la plus au sud sur les rives du Nil, il a découvert la voûte nubienne en terre caractéristique. Fasciné par cette structure vernaculaire autoportante, Fathy l’a adaptée à un nouveau langage qui réapparaît comme une signature dans ses œuvres.
En 1957, Fathy a déménagé à Athènes, en Grèce, pour 5 ans. L’exposition supplémentaire au Modernisme dans un contexte international différent a encore façonné sa pensée sur la réinvention, et non le rejet, de la tradition en expressions modernes. L’architecture de Fathy ne s’est jamais éloignée des éléments classiques des traditions africaines et égyptiennes ; ainsi, son dernier projet d’établissement, Dar Al Islam, était en dehors de l’Afrique au Nouveau-Mexique, mais appliquait toujours le même langage visuel et les mêmes matériaux qu’il avait adoptés au niveau régional — un langage influencé par les histoires, les formes et les peuples du continent.